30 mar. 2014

LA VIDA DE ADELE


A las buenas. Pues hoy tengo el enorme placer de poder hablar de “La Vida de Adele”, un gran film dirigido por  Abdellatif Kechiche y protagonizado por Adele Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche o Mona Walravens, entre otros.









Hay que resaltar que este film es la adaptación de la Novela Gráfica “El azul es un color cálido”, el cual ha sido recientemente reseñado en este blog. Si bien no es una adaptación fiel al 100%, puesto que omite algunas escenas, sustituye otras y amplia otro tanto, eso es lo de menos. Puesto que tanto el cómic original como el film son dos productos de lo más redondo, de sobresaliente altísimo.

El argumento trata acerca de cómo Adele, nuestra protagonista, experimenta la confusa étapa de la adolescencia. Es un duro momento para la vida de toda persona, ya que se trata de un periodo de experimentación y de ir descubriéndose a uno mismo. La vida de Adele (nunca mejor dicho) va a dar un vuelco cuando conozca a Emma, cuya entrada en escena va a hacer que se replantee todo su mundo.

Lo primero que hay que decir de este film, es que se trata de un producto muy valiente y honesto. Reproduce la vida tal y como es, sin tapujos. Se trata de una película elaborada desde el corazón y no se esconde tanto a la hora de mostrar los sentimientos de las personas como de enseñar escenas de sexo donde las protagonistas dan rienda suelta a su pasión.

Y es que tiene todo el sentido del mundo no cortarse ni un pelo a la hora de mostrarnos la culminación sexual de los personajes. No cabe duda de que es muy importante el desarrollar todo el tema sentimental entre Adele y Emma, cosa que el film hace con maestría, pero precisamente por eso no duda en mostrarnos sus encuentros sexuales. Una parte fundamental entre ellas es la atracción sexual que tienen y como disfrutan de sus cuerpos.









Doy mi aplauso al director por haberse atrevido a mostrar con todo lujo de detalles las escenas de sexo. No se trata de hacerlo como algo sucio, sino que lo hace porque la película se quedaría incompleta en caso de no mostrarnos el autentico despertar sexual de Adele y como llega a culminar su pasión con Emma. Hubiese quedado coja la película si se hubiese omitido (casi escondido) el momento en que realmente la protagonista pasa a encontrarse a ella misma y llegar al momento culmen en el que llega a redefinirse a sí misma a través del sexo.

Pese a todo, no hay que engañarse. “La vida de Adele” es un título que brilla con luz propia por la forma en la que sabe tratar esa búsqueda por parte de la protagonista. Búsqueda que ni siquiera termina cuando empieza la relación con Emma, ya que la vida no acaba hasta que llega su fin. Y el  final de algo (del periodo en que Adele buscaba tener clara su orientación sexual hasta que la encuentra) es el inicio de otra cosa (como afrontar el paso a la madurez con una pareja a tu lado).

Si hay otro aspecto a destacar en el film, es el de la naturalidad con la que se encuentran rodadas las escenas. Me viene a la mente una escena en la que Adele está teniendo su primera cita con un chico y ambos están comiendo en un griego. La forma en la que está dirigida la escena es implacable, haciéndola muy realista tanto como por los diálogos y el ritmo que va tomando la conversación, como por el modo tan real en el que la protagonista va comiendo y simultáneamente hablando con el chico.

Las dudas, las inseguridades, el amor, el desamor, el crecer y evolucionar, la pasión… Son aspectos todos abordados en la película de forma absorbente, aumentando la brillantez con la que son mostrados por la excelente elección que fue la actriz protagonista.









Ay, la protagonista. Sin duda alguna, este film no sería el mismo sin Adele Exarchopoulos. Es una joven actriz que desborda ante todo feminidad y sensualidad. Pocos rostros actuales del cine tienen tanta dulzura como el de ella. Es indudable que logra plasmar todas sus dudas, alegrías, tristezas y emociones con un talento natural que la convierte en uno de los rostros más prometedores y valiosos de la industria. Pocas actrices resultan tan adorables como ella.

Seydoux, en su papel de Emma, le da el perfecto contrapunto. Ya que si Adele es sensualidad y belleza, ella es fortaleza y seguridad. Es la madurez, tanto sexual como emocional, que termina de complementar el binomio protagonista. El lujo definitivo es que lo hace tanto sentimentalmente dentro de su papel, como artísticamente dando la réplica perfecta que se necesitaba.

La dirección se centra en mostrarnos las escenas con naturalidad (palabra que se repite mucho, como habréis observado, a la hora de describir el film) y en seguir, casi claustrofóbicamente a la protagonista. No obstante el punto fuerte de la cámara es el manejo del tempo narrativo y del pulso firme a la hora de contar tan valientemente esta historia.


En definitiva, nos encontramos ante un film que rebosa tal grado de naturalidad, calidad y emoción, que es casi obligatorio verlo. Sería un desperdicio perderse esta obra maestra del séptimo arte. Todo aquel que lo vea, no tendrá otro remedio que caer rendido ante Adele Exarchopoulos y enamorarse de ella. 






29 mar. 2014

CAPITÁN AMÉRICA: EL SOLDADO DE INVIERNO


A las buenas. Pues hoy voy a comentar por estos lares mi opinión personal acerca de la nueva película de Marvel Studios. Que no es otra que Capitán América: El soldado de invierno. Aviso que se trata de una reseña sin Spoilers.








Este film ha sido dirigido por Anthony y Joe Russo, contando con un reparto de actores como Chris Evans, Robert Redford, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Toby Jones o Cobie Smulders.

La trama nos sitúa al Capitán América cuando lleva un par de años descongelado. Steve Rogers aún se está adaptando a nuestra época, cuando, tras realizar una misión para SHIELD, se va a ver visto en una trama de espionaje y traiciones donde nada es lo que parece y no se sabe en quien se puede confiar. Rostros de su pasado van a volver a surgir para mostrarle que la vida en el siglo XXI está llena de matices de gris.

Así las cosas, lo primero que observará un espectador que a su vez sea fan de los cómics Marvel es que el argumento está claramente basado en la reciente étapa de Ed Brubaker en la serie del Capitán América, pero también han incorporado pesquisas argumentales de cómics del Capi escritos por Steve Englehart (la saga del Imperio Secreto) o incluso de la serie limitada de Nick Furia vs SHIELD, obra de Bob Harras y Paul Neary.

Lo primero que se me viene a la cabeza a la hora de revivir las emociones sentidas en el visionado de esta película es que se trata del film que quizás tiene un tono más adulto de todos los producidos por la factoría Marvel Studios. No quiero decir con esto que sea mejor o peor que otros títulos por ese motivo, pero sí que se nota un intento de añadir un grado más sofisticado al producto.

El tono más marcado de “El Soldado de Invierno” es el de un thriller político con grandes dosis de acción. No tiene nada que envidiar a los grandes títulos de espionaje con tramas políticas, pues esta película contiene un guión lleno de giros y con momentos de sorpresas y giros argumentales que te hacen mantener el culo bien pegado al asiento.








Que esa es otra, me gustaría aplaudir también la excelsa labor del equipo de guionistas y de los directores, puesto que rara vez decae el ritmo del film. Me parece muy equilibrado el modo en que se ha dosificado todo el argumento de intrigas (insisto, muy bien llevadas) con una acción rodada implacablemente. Se puede decir con toda tranquilidad que se ha sabido muy bien administrar los momentos de espectacularidad con aquellos en los que el misterio reina por doquier.

Un inciso, en cierto sentido, que pena ser un fan de toda la vida del Capitán América, y del mundo del cómic en general, puesto que varios de los platos fuertes del film son las grandes sorpresas que se van revelando y al ser conocedor del material original en que se basa esta obra pues ya las conocía de antemano.

Aunque por otra parte, también es una suerte el ser un amante de la Marvel, puesto que se incluyen muchos guiños y referencias a personajes de la llamada “Casa de las Ideas” que se le pueden escapar a alguien que no sea un aficionado al mundillo del cómic.

Otro punto que quisiera resaltar de este film es que supone todo un punto de inflexión en las películas de Marvel. Ha dejado un poco de lado el tema del humor, que también hace acto de presencia pero no de forma tan marcada, y se sustenta más el título en su faceta de thriller de acción.

Un aspecto que se agradece, es que las escenas de acción y las coreografías de las peleas están narradas con suma eficacia y se pueden seguir claramente. Quizás uno de los aspectos más controvertidos y polémicos del cine moderno de superhéroes es que en muchas ocasiones peca de ser un tanto confuso a la hora de mostrarnos estos aspectos. Bien, os puedo garantizar que eso no ocurre para nada en “El Soldado de Invierno”.









En lo que se refiere a los actuaciones, he de decir que he notado a Chris Evans más centrado como Capitán América que en el primer film del abanderado y que en la película de los Vengadores (donde ya se apreciaba una clara mejoría). Impresionantes los momentos en los que hace gala de esa reputación de leyenda viviente e inspiración, en especial en el último tercio del metraje.

Scarlett Johansson también hace una gran labor haciendo de “compañera”· del Capitán América. Es el complemento perfecto a Evans y juega muy a favor del film el coprotagonismo de la Viuda Negra, quien demuestra estar preparada para soportar una película en solitario.

El resto del casting, con Reford y Jackson a la cabeza, da lo que se espera de ellos; esto es, realizar un trabajo a la altura. Todos aquellos aportan grandes momentos a la trama, aportando su grano de arena a la construcción de un producto más que digno. Quizás el único que me falla algo es el Halcón, puesto que el personaje de más de sí, pero eso ya es ponerse un tanto pejiguero.

Mención aparte merece todo el tema de vestuarios, decorados, etc. puesto que se ha conseguido transmitir al espectador que está dentro de una de las viñetas dibujadas por Steve Epting para la saga homónima del cómic.


En definitiva, se trata de una película de notable, con grandes giros argumentales, momentos trepidantes y mucha acción. Perdérsela es un pecadillo para fans de las viñetas y para los amantes de los thrillers políticos. Ah, y no hay que olvidar que el film cuenta con el mítico cameo de Stan Lee, además de con varias escenas post- créditos.





27 mar. 2014

HISTORIA DE UNA RATA MALA


A las buenas. Hoy tengo el placer de hablar de una obra de esas que debe ser leída si o si. Me estoy refiriendo a “Historia de una rata mala”, escrita y dibujada por Bryan Talbot.







Un inciso. Este cómic fue originalmente publicado en 1995 por Dar Horse en los USA en formato de serie limitada, para luego ser editado en forma de tomo único bajo el título de “The tale of one bad rat”. En España se publicó en Enero de 1999 de mano de Planeta De Agostini con el título de “Historia de una rata mala”. Recientemente, durante 2013 ha sido editada otra vez en España, esta vez de mano de Astiberri, con la curiosidad de que se le ha cambiado el título a ·Cuento de una rata mala”.

La obra versa acerca de Helen, una chica adolescente que tras padecer durante mucho tiempo una situación de abusos por parte de alguien cercano a ella, decide marcharse de su casa y acaba malviviendo por las calles de Londres.

Lo primero a destacar de este cómic es que es un tebeo muy valiente. Tenemos que tener en cuenta que en la actualidad hay más cómics que han tratado temas espinosos como el incesto o los abusos sexuales infantiles, sobre todo por parte de las editoriales independientes, pero que en la época en la que se publicó originalmente fue todo un hallazgo y una osadía (positivamente hablando) el que una historieta tratase unos temas que eran prácticamente tabú.

Pero no nos confundamos. “Historia de una rata mala” no es sólo un cómic especial por la temática que aborda, sino por la genialidad con la que lo hace. Es antetodo una maravilla por la forma en que lo cuenta. Talbot demuestra tener una gran sensibilidad por la manera en la que nos introduce en la psique de Helen, nuestra protagonista. Es admirable como con pinceladas en escenas narrativas en las que mediante planchas en las que tiene diálogos con otros personajes, en las que reina el silencio o en las que deja volar su imaginación vamos adentrándonos y familiarizándonos con ella.






Quizás este cómic palidezca, a simple vista, de ser un poco moroso narrativamente hablando, puesto que hay escenas en las que en un primer vistazo no pasa nada. Pero en realidad todo forma parte del plan del autor de la obra para que en esas secuencias vayamos comprendiendo mejor a Helen.

Otra cosa que merece la pena resaltar es que en algunas ocasiones se mezcla la fantasía con la realidad. Lo que pasa por la mente de la protagonista pasa a cobrar vida y se apodera de la narración, ya sea mediante un pensamiento que ella está manifestando como la aparición de un amigo imaginario imposible que le sirve de contrapunto. Es un detalle que le da calidad a “Historia de una rata mala”.

A resaltar lo realista de todo el asunto, pese a la mezcla ocasional de fantasía y realidad, pues el guionista se acerca al tema del abuso infantil de un modo crudo. Deja cosas a la imaginación del lector, pero eso quizás lo hace aún más terrorífico, puesto que en muchas ocasiones la mente produce un miedo que cuesta plasmar en viñetas.

Sobre el dibujo, es de un estilo sencillo pero a la vez realista. Si por algo destaca es porque bajo un amago de arte simplista se esconde un trazo muy detallista y sofisticado. También hay que elogiar el inconmensurable gancho narrativo, el cual hace que la lectura sea una experiencia limpia y absorbente.


En definitiva, “Historia de una rata mala” es muy recomendable tanto por el cuidado guión como por su gran ingenio y sofisticación. Es un relato de esos que hay que leer por uno mismo y dejar llevar por la fuerza de su mensaje. Como curiosidad, mencionare que este cómic ha sido elogiado por profesionales del medio como Neil Gaiman o Alan Moore.





26 mar. 2014

IRON MAN: EL MÁS BUSCADO DEL MUNDO


A las buenas. Pues hoy voy a comentar una historia de Iron Man que está de lo más entretenido y que hará las delicias de los fans del personaje. Me estoy refiriendo a “El más buscado del mundo”, obra de Matt Fraction al guión y de Salvador Larroca al dibujo.










Este material apareció en España hace unos años en formato grapa, compartiendo serie con Máquina de Guerra. Pero en Febrero del 2014 Panini lo ha reeditado en un único tomo de tapa dura dentro de la línea Marvel Deluxe, incluyendo los comic Invincible Iron Man 8 al 19 USA. Estos números fueron editados en su país de origen entre Febrero y Diciembre del 2013.

La historia está situada justo tras el final del evento “Invasión Secreta”. Tras dicha historia, el hasta entonces director de SHIELD Tony Stark, ha caído en desgracia tanto públicamente como ante los mandatarios de la organización. Ahora el mandamás supremo es Norman Osborn. Y una de las primeras acciones que hace el antiguo Duende Verde hace que Tony Stark ponga los pies en polvorosa, huyendo por todo el globo de las fuerzas de Osborn mientras se enzarza en una misión literalmente suicida.

En primer lugar, voy a comentar un punto que considero un tanto negativo para la obra:  un lector neófito se v a sentir un tanto perdido, debido a que la lectura de esta historia depende mucho de otros puntos que se cuecen en el resto del Universo Marvel y el guionista ni se molesta en explicar un poco, por ejemplo, que hace Namor a órdenes de Osborn, porque de golpe el mismo Osborn lleva una armadura de Iron Patriot, o quién es ese Encapuchado que parece trabajar para los villanos, etc.

Con todo, pienso que se trata de un tebeo muy entretenido, toda una delicia para los fans del personaje. Puede que no sea un cómic apropiado con el que iniciarse con Iron Man, pero aquellos seguidores de sus andanzas se lo pasarán pipa contemplando un desfile de habituales de la serie como Dinamo Carmesí, Madame Máscara, Máquina de Guerra, etc. Muchas situaciones son incluso un guiño a historias antiguas, lo que sinceramente es de agradecer.

Además, se trata de un guión muy trepidante en el que la acción no para ni por un momento. El protagonista está en una persecución constante y ese es un aspecto que Fraction ha sabido lograr transmitir al lector de peligro constante.








También es justo decir que el guionista se ha preocupado de hacer que en sus tebeos pasen cosas, ya que pese a que la obra gana mucho leída de carrerilla en el tomo recopilatorio, en cada uno de los capítulos tenemos nuevos acontecimientos o sucesos. Como la nueva situación de Pepper, el secreto de Madame Máscara, las peripecias de Maria Hill… (No sabéis lo que me estoy mordiendo la lengua para no soltar spoilers)

Me ha gustado especialmente la forma en la que Fraction ha manejado al personaje de Norman Osborn, quien aquí es una digna némesis de Tony Stark. No llega al nivel de otros escribas como Warren Ellis, quien lo retrato perfectamente, pero tiene muchos puntos geniales. Quizás algo menos afortunado ha estado en su caracterización, por ejemplo, de Namor o la Viuda Negra (excesivamente desconfiada para mi gusto).

Llama la atención también el modo en que resuelve el conflicto final de la historia, que se aleja un tanto del tópico y típico “resolvamos esto a puñetazos”. Aquí la situación que se va presentando y el conflicto “Stark-Osborn” va a tener más de victoria pírrica que de real.

En lo que se refiere al trabajo de Larroca, debo decir que este es un trabajo en el que el valenciano ha sabido lucirse. Quizás en ocasiones peque de ser un tanto estático pero a la vista está el que sabe lucirse con planchas espectaculares y que las composiciones de página son todo un lujo.

Nótese como el dibujante sigue con su juego de ponerles el rostro de personas reales conocidas a los personajes del cómic. Por ejemplo, en esta historia Norman Osborn porta la cara del actor español José Coronado.


En definitiva, este cómic falla en algunos aspectos (sobre todo en el de accesibilidad de cara a los nuevos lectores) pero es una lectura amena y entretenida que gustará a los fans de Iron Man y a los que disfruten de un buen tebeo de la factoría Marvel. 






24 mar. 2014

MAUS



A las buenas. Pues miren ustedes, que hoy voy a reseñar por estos lares una de las obras maestras del mundo del cómic o Novela Gráfica: Maus. El autor completo es Art Spiegelman.







Originalmente se publicó de forma serializada entre 1980 y 1991 en la revista Raw. Posteriormente fue editada en dos tomos, para acabar siendo publicada e integrada de forma unitaria en un volumen único. En la actualidad, la edición española más reciente que se encuentra a la venta es la del tomo unitario, editada por Reservoir Books. Actualmente van por la decimotercera edición, fechada en Noviembre del 2013, pero no sería nada descabellado que se continuase reeditando, ya que es una de esas lecturas prácticamente obligatorias. 

Un importante detalle acerca de Maus, es que se trata del único cómic que jamás ha sido galardonado con la obtención de un premio Pulitzer, en el año 1992, lo que denota la enorme importancia del producto ante el que nos encontramos. 

El argumento de la obra versa acerca de cómo Art Spiegelman (si, el propio autor de Maus) entrevista a su padre, Vladek, acerca de la historia de su vida, haciendo un especial hincapié en todo el tormento que padeció como judío por parte de los nazis. Se trata por tanto, de una biografía. Pero con una particularidad muy especial: Los judíos están representados gráficamente por ratones (de ahí el “Maus” como título), los alemanes como gatos y los polacos como cerdos. 

Lo primero a destacar es que esa variación en la representación visual no es ni muchísimo menos un lastre para Maus. Ni muchísimo menos. De hecho una de las primeras cosas que llaman la atención del lector es que tan fuerte y directa es la narrativa de Spiegelman y tan poderosa es la historia que te está contando que quedas atrapado en ella, sorprendido de que unos personajes representados por animales puedan llegar a cautivarte tanto.

Y es que Maus no es precisamente una lectura para niños. Es una experiencia devastadora el asomarse por las planchas de la obra y leer este desgarrador relato. Es una lectura que entra por los ojos pero que donde de verdad se queda arraigada es en el corazón. 

El autor no escatima en crudeza y en detalles a la hora de contar la tortuosa vida de Vladek. Spiegelman sabe manejar muy bien el cóctel de emociones y como trasmitirlas al lector. Maus tiene pasajes especialmente aterradores, como aquel relativo a contar que hacían los nazis con los niños pequeños que lloraban mucho en los campos de concentración o aquel estremecedor destino final de uno de los secundarios (no diré cual, por eso de los spoilers).





A lo hora de contar algo basado en hechos reales, hemos de tener en cuenta de que el autor deja a un lado la objetividad y los acontecimientos están claramente marcados por el punto de vista del padre del protagonista y por el propio autor de la obra. 

En Maus existen varios momentos temporales a la hora de contar la historia. Por un lado, tenemos un tiempo que va desde 1980 a 1982 en el cual se nos muestra como Vladek es entrevistado por su hijo Art acerca del holocausto. En ese periodo se profundiza en la relación entre padre e hijo, así como en cierto uso que realiza el autor sobre el metalenguaje (sobre el cual posteriormente profundizaría en Metamaus). El segundo es el relato contado por Vladek y que abarca desde 1935 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

Es innegable que nos encontramos, además de con un excelente cómic, con todo un documento casi periodístico en el que podemos observar como fue la vida para los judíos desde que empezaron los acontecimientos que desembocaron en el infame holocausto nazi. 

Es de destacar el apasionante ritmo que posee la novela gráfica, con un tempo que no decae en ningún momento y que te mantiene en tensión cuando los personajes sufren y que llega a emocionarte cuando hablan de amor. Es un gran virtud del autor el lograr captar tal variedad de registros y lograr que se empatice de forma tan absoluta con los protagonistas. 

En cuanto al dibujo, puedo llegar a entender que haya gente que se tiré para atrás debido al peculiar estilo del artista, pero, sinceramente, recomiendo dejar de lado los prejuicios y sumergirse en las planchas de Maus, las cuales destacan por su enorme fuerza y por una narrativa inconmensurable. Nunca una historia protagonizada por animales fue tan cruda y contundente.


En definitiva, Maus es una obra que se encuentra muy merecidamente en el olimpo de la historieta y que todo el mundo, así en general, debería leer en la vida. Y todo aquel que se acerque a sus páginas, ya nunca podrá olvidar esta Novela Gráfica. 




 

21 mar. 2014

BIENVENIDO, FRANK


A las buenas. Pues hoy quería hablar de una obra la cual me he releído ya unas cuantas veces. Me estoy refiriendo al Punisher de Garth Ennis y Steve Dillon en general y a su primera maxiserie en particular: “Bienvenido, Frank”, la cual consta de 12 números USA publicados entre Abril del 2000 y Marzo del 2001.







Si bien esta obra ya se ha editado varias veces en España, tanto en grapa como en formato de bolsillo, voy a hacerme eco de la reciente reedición de mano de Panini formando parte de la colección Extra Superhéroes en Enero del 2014.

Un inciso antes de proseguir: hay que ver la gran cantidad de material de alta calidad que están editando en esta serie desde que Panini la puso en marcha: los Thunderbolts de Busiek, los Vengadores del mismo autor, Alias de Bendis, Masacre de Joe Kelly… Son sólo algunas de las colecciones que se están reeditando como parte de Extra Superhéroes, gozando la mayoría de los tomitos de una calidad pata negra. Este Punisher de Ennis y Dillon se suma indiscutiblemente a lo más alto del panteón de los cómics de gran calidad.

Volviendo al lio, esta historia se centra en el regreso del Punisher (Frank Castle, por supuesto) a  la primera plana. Tras un periodo un tanto convulsivo en el que se maltrató sobremanera al personaje con ocurrencias tan descabelladas como matarlo y traerlo de vuelta convertido en una especie de ángel vengador, tocaba devolverlo a sus raíces. Estas no son otras que las de ser un justiciero implacable que acaba sin piedad con la vida de los criminales.

Para encaminar al Punisher por este buen camino, se escogió a dos autores que con anterioridad ya habían trabajado juntos en obras tan interesantes como la excelsa Predicador. Me estoy refiriendo al dúo formado por el guionista Garth Ennis y el dibujante Steve Dillon.

Si hay algo que caracteriza a Ennis es que sus guiones están formados por un cóctel explosivo de mala uva, ultraviolencia, un humor negrísimo y, pese a que pueda antojarse contradictorio, una humanidad extrema en ocasiones. Pues de todo esto vais a encontrar en estas páginas de su Punisher. Aunque bien es cierto que en esto números aquí incluidos se deja llevar por su vena macarra y bruta, más adelante llevaría al personaje por otros derroteros cuando la serie salte del sello inicial “Marvel Knights” al más  adulto “Max”. Pero bueno, eso ya lo iremos comentando en el futuro.









La maxiserie aquí recopilada es una historia cerrada y sin duda, una de las mejores del personaje. Hay varias cosas que destacar y una de ellas es que a lo largo de toda la obra abundan una cantidad de burradas a cada cual más absurda. Que es lo que le da la calidad al cómic, como diría uno que yo me sé. Eso sí, a lo mejor no son tan explicitas como en otras obras como Predicador, pero maldita la falta que le hace serlo.

Otro punto a favor es que aquí el guionista aquí se encuentra en estado de gracia y se nota en muchísimos aspectos. El primero de ellos es que el escocés dota a Frank Castle de toda una artillería de secundarios y villanos memorables.  A destacar sin duda alguna a “El Ruso”, quien es desde entonces un personaje mítico para un servidor. Sobresalientes son también los diálogos y situaciones que emanan de estas planchas, con un sentido del humor muy típico y característico del escritor.

Quizás esta obra tiene menos momentos sentimentales que otras del autor, pero para nada eso empaña el conjunto ni la lectura de esta maravilla. Aquí lo importante era pasárselo bien durante un rato con Punisher y, sobretodo, recuperar sus esencias.

El dibujo de Dillon se ajusta como un guante al estilo de Ennis, dando lo mejor de sí. No es que este sea un dibujante precisamente adecuado para un título de superhéroes, pero, por si alguien necesita que se lo recordemos, no nos hallamos ante un tebeo genérico al uso. Esto es Punisher y aquí Dillon funciona más que brillantemente.

La narración es perfecta, la expresividad de los personajes es muy idónea y las planchas se leen la una tras otra con muchísima fluidez. Hasta me atrevería a decir que el arte de nuestro dibujante permite potenciar el toque gamberro de la obra. Se permite alguna concesión de cara a la galería y el resultado final es todo un espectáculo visual. No se me ocurre ningún dibujante mejor de cara a ilustrar esta historia. 

Quisiera insistir en la simbiosis que se da entre Garth Ennis y Steve Dillon, formando uno de los equipos artísticos más sólidos del mundo del cómic de los últimos años. Todo un placer para los sentidos el poder disfrutar de un tándem creativo con tantísima calidad reciproca.

En definitiva, esta es una historia que debes leer si o si. En especial si te gustan los cómics con humor negro, Punisher, si eres fan de Ennis o si, en definitiva, eres partidario de disfrutar de las buenas obras. Un tebeo imprescindible.






18 mar. 2014

JUSTICE LEAGUE: THE FLASHPOINT PARADOX


A las buenas. Pues hace un par de días estuve viendo la peli de animación de “Justice League: The Flashpoint Paradox”, dirigida en 2013 por Jay Oliva. Como creo que tiene varios puntos de interés para los aficionados al mundo del cómic, pues toca reseñarla.









Lo primero a indicar es que se trata de una película de animación que se encuentra inédita en España, por lo que para adquirirla he tenido que recurrir al mercado de importación vía Amazon  y hacerme con la versión USA del film. Ojo, aclaro que se trata de una “region free”, por lo que se puede visionar con cualquier reproductor de bluray española. La única pega es que la película carece de subtítulos en castellano y que el audio español que contiene es el latino, lo que puede resultar muy negativo a los puristas.

Centrándome ya en el argumento del film, pues no es difícil de averiguar dado el título de la obra. Se trata de una adaptación de la saga “Flashpoint”, escrita por Geoff Johns y dibujada por Andy Kubert. Como muchos comiqueros sabréis, la cosa de que un buen día Barry Allen se despierta en un mundo que no es el suyo: Batman es más cruel y expeditivo en sus métodos, Superman parece no existir, Cyborg es el mayor héroe del mundo, Hal Jordan nunca se convirtió en Green Lantern, Wonder Woman y Aquaman se han declarado la guerra… Barry intenta averiguar que es lo que ha alterado la realidad y como puede devolver las cosas a la normalidad, pese a que en el nuevo mundo ya no conserva sus poderes de supervelocidad.

Esa es la sinopsis del cómic en el que se basa la película, pero perfectamente vale también a la hora de hablar de esta adaptación animada, puesto que exceptuando algunos cambios, (los cuales por supuesto no spoileare aquí) es una adaptación muy fiel de la trama y de los cómics en los que se basa.

Aún más, los añadidos que se hacen son aportaciones que mejoran al original (ese flashback sobre el origen del Batman del mundo alternativo), las cosas que se restan lo hacen con afán de eliminar paja innecesaria (especialmente al final de la historia) y las modificadas son para pulir el resultado final.

En verdad es toda una delicia para los enamorados del noveno arte el poder disfrutar de todo un desfile de personajes del Universo DC como el que acontece en la presente película animada. Con la posible excepción de Liga de la Justicia: Crisis en dos Tierras y de la serie Liga de la Justicia Ilimitada, creo que es el producto de la factoría de animación donde más personajes de la compañía hacen acto de presencia.









La historia contada será disfrutada tanto por neófitos como por quienes se conozcan a dedillo a los personajes y situaciones. Está narrada con un ritmo trepidante y entre las abundantes escenas de acción no faltan aquellas que sirven como propósito el definir a los protagonistas y secundarios de “Flashpoint”.

Me ha llamado particularmente la atención el que se incluyesen algunas escenas particularmente violentas para un producto de este calibre, como pueden ser el de algunos personajes con un agujero en la cabeza tras recibir un disparo de uno de los protagonistas, por no mencionar una decapitación en concreto bastante explicita.

En lo que se refiere a la animación, se detectan ciertas influencias japonesas dejando de lado el “canón” de Bruce Timm. Por más que Timm sea prácticamente el maestro de la animación moderna para un servidor, esto no es algo especialmente, a priori, malo. Es más, hasta se agradece la diversidad.

Los personajes están especialmente bien moldeados, las escenas son más que dinámicas y por lo general queda todo muy bien conseguido. Ahora bien, a un servidor en particular le gusta mucho más como queda todo plasmado en las planchas del cómic original. Y es que Kubert es mucho Kubert. No obstante, es de justicia reconocer que si uno olvida el tebeo en que se basa, como se debería de hacer visionando este tipo de película, todo queda de lo más resultón.


Las preguntas del millón de dólares serían la siguiente: ¿Merece la pena la película? Por supuesto que sí, tanto para amantes de los cómics como de la animación. “Flashpoint” es una buena elección. ¿Es mejor que el tebeo en el que se basa? Complicada pregunta. A nivel guión diría que sí, ya que se le nota más trabajado y pulido. Pero en lo que a la parte visual se refiere, me quedo con los dibujos de Kubert. No obstante, el visionado del film es bastante recomendable.