AMERICAN VAMPIRE TOMO 1

A las buenas. Hoy vamos a hablar de una serie a descubrir, nada más y nada menos que American Vampire. En concreto, toca reseñar el primer tomo de la colección.

Conviene aclarar que el tomo aparecido en rústica de mano de ECC durante este Abril del 2013 es una reedición de un volumen ya anteriormente editado por Planeta De Agostini aunque en tapa dura. En ambos casos, los tomos contienen los 5 primeros números USA de American Vampire, aparecidos en los USA durante 2010. Fueron editados por DC, dentro de su sello Vértigo..

El equipo creativo de este volumen se divide en dos partes bien diferenciadas. Por un lado tenemos una historia guionizada por Scott Snyder, mientras que contamos con otro arco argumental escrito por el mismísimo Stephen King. El dibujante de ambas partes es Rafael Albuquerque.

Una importante aclaración es que las dos historias tienen una distribución un tanto rara en el tomo de ECC. Vale, en los USA se publico cada parte de la historia de King (que es llamémosla de complemento) justo a continuación de la de Snyder (la, digamos, principal). Pero para la edición española, ¿no hubiese sido mejor poner seguidas las cinco partes aquí publicadas de Snyder y luego hacer lo propio con las de Stephen King? Así le han hecho un flaco favor al tomo, porque te corta un poco el rollo encontrarte las historias entremezcladas.

En fin, pasemos a comentar el argumento del volumen. La historia de Snyder nos sitúa en la década de 1920 y nos presenta a la actriz Pearl Jones, que está a punto de descubrir como su vida va a cambiar radicalmente tras conocer la existencia de los vampiros. Los episodios de King están ambientados unas décadas antes y muestra como un escritor va a encontrarse con la historia de su vida. Y si, los chupasangres van a estar involucrados.

Pese a tratarse ambos arcos argumentales son de un nivel más que potable, me decanto personalmente por el de Scott Snyder. Se nota que esta es su serie y está contando lo que él quiere. A su favor debo decir que sus vampiros realmente son monstruos, criaturas desagradables y sádicas. Vamos, que no esperéis encontraros por aquí con chupasangres moñas y melosos.

Los personajes protagonistas están bien perfilados, aunque quizás peque un poco de tener  ciertos estereotipos. Aunque tengamos en cuenta que la serie acaba de empezar y convendría sopesar como va evolucionando la misma y el papel de los personajes.

Lo que no se puede negar es que la narración está llena de sorpresas y este primer tomo incluye unas cuantas que hacen que el interés no decaiga. Ni de coña servidor se esperaba el giro que toma el tomo en el cuarto episodio USA aquí incluido. Y ya llevo unos cuantos tebeos a estas alturas del rodeo.

Sobre la parte de Stephen King, pues no cabe duda de que es un genio y uno de los escritores más importantes del mundo, pero no lo  veo tan suelto en formato cómic como en sus novelas. Ojo, no quiero con esto decir ni mucho menos que sea un mal guionista, sino que veo que le cuesta más desenvolverse. En todo caso, su historia se lee con interés, y eso es lo que acaba contando.

En cuanto al dibujo, quiero romper una lanza a favor de Albuquerque. No se podría haber cogido mejor dibujante para American Vampire. Es un dibujo tosco, sucio y desgarrador. Vamos, justo lo que pedía a gritos este título. A destacar el que, pese a su estilo algo peculiar, los personajes son distinguibles a la perfección los unos de los otros. Y además, todo está muy bien narrado.

En definitiva, este primer me ha dejado una sensación de querer leer más. Espero que en los sucesivos tomos que han de salir la historia vaya evolucionando y remate una historia que ha empezado de forma muy interesante.

CRIADAS Y SEÑORAS: EL LIBRO

A las buenas. A poco que podías pegar un vistazo a este blog, podréis comprobar que desde que lo volví a poner en activo, hace casi un mes, he procurado darle una mayor variedad y tratar todo tipo de temas, no únicamente comics. Pues bien, hoy vamos a hablar de uno de los libros con los que más he disfrutado últimamente: Criadas y  Señoras.

Este libro está escrito por Kathryn Stockett y fue editado en los USA en el 2009 bajo el título de “The Help”. A España llegó en Octubre del 2010, aunque todavía podéis haceros con el sin problemas ya que, debido a su tremendo éxito ya lleva más de una docena de reediciones.

Es más que probable que os suena el título del libro ya que existe una película de cierto renombre basada en el mismo; film estrenado en el 2011  y que estaría protagonizado por actrices como mi adorada Emma Stone, Jessica Chastain o Bryce Dallas Howard.

El argumento de la novela nos tralada al Misisipi de la década de 1960 y versa acerca de cómo la licenciada en periodismo Miss Skeeter trata de prosperar en el oficio del periodismo, en una comunidad en el que la separación de clases y, sobretodo, la separación racial juegan un papel fundamental. Además, varias criadas de color de la zona nos muestran sus vivencias en una sociedad que las discrimina.

El libro está narrado principalmente desde tres puntos de vista: El ya mencionado de Skeeter y el de las criadas Minny y Aibeleen. Este hecho beneficia sin duda alguna a la narración de la historia, ya que nos permite identificarnos con unos cuantos puntos de vista, haciendo que le cojamos cariño a todo el elenco protagonista. Además, así se puede cubrir una cuota mayor de acontecimientos. Tan sólo en un único capitulo se emplea una narración neutral, sin que le ponga voz propia ninguno de los protagonistas y centrándose en una escena coral.

La tesis de la historia es el racismo vigente en el sur del Misisipi durante la agitada década de los años 60 y los primeros intentos de rebelión en la lucha por cambiar eso. En aquella época existía una marcada segregación social, en el que el racismo lamentablemente contaba con un papel esencial. Las personas de color eran consideradas inferiores y estaban degradadas a desempeñar labores de servidumbre, amén de que soportaban una clara marginación social. Eran constantemente segregadas del núcleo de la población blanca y sufrían de una separación hasta física pues estaban hasta destinadas a vivir en zonas marginales separadas de los blancos. Por no mencionar como tenían que soportar un trato que no ocultaba cierto desprecio hacia ellos, plagado de connotaciones que les dejaban en situación de inferioridad.

No sólo era una separación, sino hasta clasista. Nótese que todos los personajes de raza blanca eran los de clase social alta (las “señoras” del título), mientras que los de raza negra eran de clase social baja (las “criadas” del ídem).

Un detalle también curioso en lo que se refiere al protagonismo de la historia es que está contado siempre desde una perspectiva femenina. Ya he contado antes que las tres protagonistas de la historia son mujeres y resulta hasta cierto punto algo lógico y natural teniendo en cuenta el título de la novela (el libro no se titula ”Criados y Señores”). Este punto de vista femenino tiene su razón de ser, por supuesto. Obedece a que los puestos de servidumbre eran cubiertos en su mayoría por féminas y era necesario para el desarrollo de la historia el que fuesen mujeres quienes nos contasen sus vivencias. Por no mencionar que las féminas y amas de casa eran quienes llevaban la voz cantante con el servicio.

Una cosa que quería dejar clara es que no os engañe mi argumentación anterior. No quiero que penséis que se trata de un sesudo libro que se enrolla con un tedioso ensayo acerca del racismo. Nada de eso. Es cierto que ese tema impregna la novela y es su razón de ser, pero la lectura es siempre amena y es muy entretenida. “Enseñar deleitando”, que decía el ilustre Conde Lucanor.

Así pues, nos encontramos con situaciones dramáticas, de las que ponen el corazón en un puño. Es increíble lo que puede llegar a conmover las vivencias de las criadas. Sufres por sus penas, vives sus alegrías y no miento si afirmo que deseas acabar con las injusticias que padecen.

Aún así, es innegable que la novela posee un cierto elemento cómico. No voy a revelara nadie, me niego en rotundo, la desternillante sorpresa que oculta el pastel de Minny o lo hilarante que resulta lo que ocurre con los retretes en casa de Hildy, la llamémosla “villana” de la historia. No todo van a ser penas y llantos, también hay momentos para las risas.

Le sienta muy bien a “Criadas y Señoras” el que este contada bajo tres puntos de vista. Entre otras cosas, podemos observar las diferencias en la narración: La fina prosa de Skeeter, la solemnidad de Aibeleen y el desparpajo de Minny son tres voces diferenciadas que demarcan la variedad de la prosa de Kathryn Stockett. Y es que la escritora sabe como dotar de personalidad propia a cada una de sus creaciones. Me cuesta, por cierto, llamar “creaciones” a las protagonistas del libro. La razón es que las ha caracterizado y dotado de tanta vida que parecen hasta personas reales. Uno puede imaginarse perfectamente, por ejemplo, a Minny dando una de sus mordaces respuestas o a Skeeter escribiendo uno de sus artículos.

Un detalle curioso es que, como si de un tebeo de Agamenón se tratase, los capítulos protagonizados por las criadas se encuentres plagados de expresiones “demasiado”, “de coló”, “un lugar pa viví” y similares. Parece una tontería, pero no lo es. Ya que así, reflejando la manera de hablar de las protagonistas logras meterte mejor en sus cabezas.

La manera de escribir de Stockett es directa, sin concesiones y amena, muy amena. Una vez te sumerges en las páginas de “Criadas y Señoras” quieres seguir leyendo más y más. Es un libro que engancha, de esos que te atrapa y deseas seguir leyendo pero a la vez tienes miedo de seguir avanzando, porque cuando más páginas lees, menos te queda para finalizarlo. Y no quieres, puesto que por si mí fuera hubiese durado unas cuantos miles de páginas en lugar de “tan sólo” 560. Que milagro es que un libro de más de 500 páginas se haga corto, ¿verdad?

Podría glosar y glosar acerca de las mil virtudes del libro, pero creo que se resume muy bien si digo que “Criadas y Señoras” es de esas historias que entran por los ojos, si, pero también por el corazón. Porque algo cambia dentro de ti cuando te metes en su lectura. Deseas que cambien ciertas injusticas de la sociedad que nos rodea. Es una novela que marca.

En conclusión, leed “Criadas y Señoras”. Merece muchísimo la pena. El New York Times decía que “Es el libro del qué habla todo el mundo. Es una novela ganadora”. Pero yo aún diría más: Es el libro que habla A todo el mundo y que es una novela que NOS hace ganar. Como personas (por los valores que aporta y reivindica) y como lectores (por lo que se disfruta y lo que emociona su lectura).

PD. No podía finalizar la reseña sin volver al tema de la película basada en el libro. Pese a que servidor prefiere la lectura de la novela, no puedo dejar de recomendar también el visionado del film homónimo, el cual es excelente y se encuentra a la altura de su génesis en papel. Si os parece, otro día dedico una entrada aparte a la película, pues bien la merece.

IMPOSIBLES VENGADORES

A las buenas. Hoy vamos a hablar de una de las series que más me están gustando de la hornada de nuevos títulos y etapas que están surgiendo con motivo de Marvel Now: Imposibles Vengadores.

Por el momento se han publicado en España dos cómics de dicha colección, la cual empezó a editarse en Marzo del 2013 por estos lares. Como es hasta cierto punto lógico, esos dos cuadernos contenían los dos primeros números USA de la serie, publicados por Marvel en Diciembre del 2012 y Enero del 2013.

El equipo creativo de la recién estrenada serie se encuentra formado por Rick Remender al guión y John Cassaday al dibujo. Merece la pena mencionar que, hasta en edición Panini, se comercializo una edición especial con una espectacular portada alternativa a cargo de Daniel Acuña. Servidor se rindió a la estrategia comercial y no pudo evitar hacerse con las dos versiones, la carne es débil.

El argumento de esta nueva colección arranca como consecuencia natural del evento “Vengadores vs. La Patrulla-X” (uno de los mejores eventos de lo que llevamos de siglo, en mi modesta opinión). No voy a spoilear el final del mismo a aquellos que aún no se han leído la historia, así que baste decir que para apoyar la causa mutante, el Capitán América decide formar un equipo de Vengadores en el que además se incluyan algunos miembros de la Patrulla-X. Vamos, un grupo mixto de mutantes y superhumanos.

Por el momento los miembros del equipo son Kaos (quién se encarga del liderazgo), Thor, el Capitán América, Lobezno, la Bruja Escarlata y Pícara. No se trata ni mucho menos de un spoiler, ya que es algo que salta a la vista desde la mismísima portada del primer número, ya sea la normal o la alternativa. Aunque habría que matizar que no se trata ni mucho menos de un equipo cerrado. En los USA ya se han unido más miembros y, es más, la formación no son todavía un supergrupo en si en los dos números que se han visto en España.

Me estoy mordiendo la lengua para no quitar a nadie las muchas sorpresas contenidas en esos dos ejemplares, así como el final de Vengadores vs. Patrulla-X, así que me limitaré a decir que un viejo enemigo de los Vengadores en general y del Capitán América en particular está haciendo la puñeta y para ello no ha dudado ni por un instante en profanar lo que sea profanable. Mientras esto sucede, el Capitán América se está ocupando de formar los que serán conocidos como Imposibles Vengadores.

Que Rick Remender es un escritor con oficio y buen hacer es algo que lleva ya unos años demostrando en Marvel, destacando en títulos como Imposibles X-Force, Veneno o Vengadores Secretos. De hecho, pienso que de haber contado con mejores dibujantes sus episodios en Vengadores Secretos habrían sido considerados un clásico instantáneo, pero estoy divagando… Ah, no mencionó nada de su Punisher, puesto que apenas leí unos cuantos episodios sueltos. En cuanto a su Capitán América, ya hablaré de esa obra más adelante; que merece la pena dedicarle su pertinente reseña.

El caso es que debo decir que ya desde las primeras páginas he empatizado con Imposible Vengadores por la conjunción de su guión y dibujo, amén de por los personajes elegidos. He tenido el tino de que muchos de mis héroes favoritos, tanto de los mutantes como de los Vengadores, se dan cita en estas páginas. Pero no penséis que recomiendo únicamente la serie por la frikada de la formación, ni muchísimo menos es simplemente por ese detalle.

Recomiendo, y ensalzo, la colección porque está jodidamente (con perdón) bien escrita. Lo personajes son ellos y se comportan como tales; la caracterización está muy conseguida. Los misterios ya están latentes y logran captar la atención del lector. Lo que me ha sorprendido es la verdadera identidad del villano del primer arco, amén de la última página del primer cuaderno, que es de esas que perviven en la retina y se convierten en memorable.

Quisiera sumar un plus hacia el guionista por las esplendidas interacciones que se están dando entre Pícara y la Bruja Escarlata. Presiento que dicha relación va a ser uno de los pilares del grupo y que va a dar mucho juego.

Estoy de acuerdo en que quizás se estiran algo las historias, algo que es casi norma hoy en día. Pero si cada número tiene el mismo desarrollo que los dos leídos hasta ahora, guardan ese interés y se hacen tan apasionantes de leer, no me importa en absoluto. Es más, hasta lo prefiero porque más disfruto.

Otra de las virtudes de Remender es que se nutre de la continuidad a la hora de construir sus historias. Ya sea mediante referencias o mediante el uso de hechos pasados como base sobre la que cimentar sus cómics. Por no mencionar el empleo de personajes con solera.

Sobre el dibujo he decir que hablando con varias personajes acerca de este cómic, todas parecen coincidir en que Cassaday ha bajado algo el nivel de su arte en esta serie. Personalmente, yo no he observado bajón de calidad alguno, así que lo mismo es cosa mía, pero yo veo que sus planchas son tan geniales como siempre.

El dibujo es detallado, la narración es ejemplar y las batallas son espectaculares. Además, el dibujante nos ofrece algunas secuencias de lo más acojonante. Y me estoy volviendo a referir al final del primer número.

En conclusión, esta serie es a día de hoy una compra obligada para un servidor. Y lo mejor de todo es que apenas ha hecho que comenzar su andadura. Espero y deseo que se mantenga e incluso supere el nivelazo de los dos primeros ejemplares.

SPRING BREAKERS

A las buenas. Tarea un poco complicada la que emprendo en esta entrada, puesto que voy a reseñar Spring Breakers.

Spring Breakers es una película dirigida por Harmony Korine y protagonizada por James Franco, Selena Gomez, Vanessa Hudgens, Rachel Korine y Ashley Benson. 

Su argumento es tan sencillo y a la vez tan complejo como el siguiente: 4 chicas un tanto descocadas cometen un acto delictivo y se van a vivir la vida loca durante unas vacaciones de primavera en la playa. Allí conocerán a ciertos elementos un tanto indeseables que les van a llevar por el camino.

Al principio de la entrada he mencionado que se trata de una tarea algo difícil la de reseñar este film. Y eso es porque Spring Breakers no es una película al uso. No se puede negar que un vistazo superficial a la película, se denota cierto acercamiento a una estética cercana a un videoclip, a un producto de la MTV o una influencia de los productos “Shore”. Pero eso es tan sólo quedarse en la superficie y no entender el meollo de la película.

Si, es innegable que las tetas, culos y el morbo están presentes, y a nadie le amarga un dulce, pero eso es no rascar la superficie. Porque si bien esos elementos se encuentran presentes a lo largo de toda la obra, no únicamente cumplen la función de provocar y buscar llenar la sala con el morbo gratuito. Esos elementos se encuentran allí porque pretenden hacer un retrato de cómo es percibida la “Generación MTV” (o “Generación Choni”, llámenla como ustedes gusten) y para ello hace falta mostrar aquello que la caracteriza, para así poder hacer una deconstrucción de la misma. 

O lo que es lo mismo para poder criticar algo, es necesario mostrarlo tal y como es. Y ese viene siendo la función de Springbreakers, mostrarnos como puede llegar a ser de digámosle “atrevido” cierto sector cultural para luego hacernos un zas en toda la boca y desmontarlo por completo, viendo su lado no tan agradable.

No señores, esta no es una película que se regodee en los aspecto sexuales y sensuales que en ella abundan, sino que se usan como plataforma para criticar aspectos de la sociedad actual usando a su vez esas mismas armas que critica. Rizando el rizo.

Al principio puede costar un tanto entrar en la trama del film, ya que su ritmo al estilo videoclip puede desorientar al principio, pero una vez entras en la trama, está llega a enganchar. Pese a que quizás puede sobrecargar su formato a cierto tipo de espectadores, no lo sé. 

Ciertos recursos empleados en la dirección me han traído reminiscencias de la reciente “Salvajes” de Olivar Stone. Que por cierto, ambas tienen bastante en común, aunque esta Spring Breakers es más provocadora en cierto sentido.

Hay que reconocer que el guión del film no es que sea excesivamente original, ya que todos hemos visto millones de veces la historia de las jovencitas que se desmelenan y luego todo se les va de las manos. Pero ¿a día de hoy que hay verdaderamente original? Aquí lo innovador no es lo que se cuenta, sino el cómo se cuenta.  Y ahí brilla realmente Spring Breakers.

Las protagonistas del film son “chonis choneando” y la verdad es que si uno ha tenido la oportunidad de contemplar en vivo y en directo a esta fauna, la verdad es que el film las ha clavado. Aunque se permite la libertad de tomarse ciertos excesos en ese patrón de conducta, en especial los últimos diez minutos de la peli, pero bueno, se lo perdonaremos.

Las actrices protagonistas desde luego abandonan su rol archiconocido de princesas Disney en lo que se refiere a Selena y a Vanessa (aunque esta última empezó ya a desetiquetarse con la algo infravalorada “Sucker Punch”) A mi por lo menos no se me pasa por la cabeza ni tan siquiera que vaya dirigido Spring Breakers al mismo público que el de High School Musical, ni de coña. Como comprenderéis, no conozco a estas chicas en la vida real y no sé cómo se comportaran en su día a día, pero verdaderamente clavan el papel de chonis. 

James Franco vuelve a demostrar que es un valor en alza y su interpretación de un Gangster con relativo buen corazón le ha quedado bordada. Este hombre cada vez va haciendo ver lo que vale y aumenta a pasos agigantados su cache. 

Como curiosidad, quisiera decir que la música juega un papel muy relevante en el film. No tanto a nivel del guión y la trama, sino formando parte a nivel estético del envoltorio en que se nos presenta Spring Breakers. A mí me ha recordado mucho a la banda sonora de “Drive” de Ryan Gosling.

En definitiva, ved esta película que seguro no os defrauda. A mí me ha gustado mucho y me ha parecido más que notable esta crítica realizada precisamente con la estética de aquello que crítica. Indiferente no deja a nadie, eso desde luego.       

SUPERMAN: HIJO ROJO

A las buenas. Hoy quisiera una novedad de este Salón del Cómic que en mi modesta opinión considero que merece mucho la pena. El tomo al que me refiero es a Superman: Hijo Rojo, guionizado por Mark Millar y dibujado por Dave Johnson y Kilian Plunkett.

Este recopilatorio ha sido recién reeditado por ECC en Abril del 2013, conteniendo los tres números USA de la miniserie Superman: Red Son publicados en los USA durante 2003. Por cierto, no es ni mucho menos la primera edición de esta obra en España. Ya ha sido editada con anterioridad tanto por Norma Editorial como por Planeta De Agostini. Lo cierto es que, pese a que ya leí en su momento, no poseía ninguna edición de Hijo Rojo, así que he aprovechado esta última reedición para adquirir la obra.

¿De qué trata este tomito? Pues de qué un científico llamado Jor-L envió a su único hijo en una nave espacial, mientras que su planeta moribundo se aproximaba a su probable fin… Un momento. ¿Pero este no es la historia de Superman de toda la vida?, preguntareis con toda la razón del mundo. Pues no, miren ustedes. El motivo es que el tebeo nos muestra una tierra alternativa en que las cosas no sucedieron como en el Universo DC tradicional. Aquí el cohete de Superman aterrizó en la Unión Soviética.

En efecto, Superman: Hijo Rojo cuenta lo que hubiese sucedido de haber sido criado el Hombre de Acero bajo un régimen comunista. Como he comentado antes, en su publicación en lo USA fue originalmente una miniserie de tres números. Pues bien, cada uno de ellos está ambientado en un periodo distinto. El primero de ellos nos narra la aparición de Superman, el segundo como se va asentando en el poder, mientras que el tercero nos cuenta el ocaso de su régimen.

No se puede negar que Millar ha sabido tejer una gran historia. Como os podréis imaginar, el tomo tiene una doble lectura bastante significativa en todo momento que nos invita a la reflexión. Pero nada de panfletismo barato, sino una crítica tanto hacia el capitalismo como al comunismo. Mostrando en ocasiones los puntos débiles y fuertes de ambos sistemas. Una vez leído el cómic cada cual es libre de juzgar libremente.

Obviamente no sólo de lecturas políticas vive esta historia, ya que en tal caso no estaríamos hablando de un gran cómic. Hijo Rojo es una lectura apasionante que sorprende a cada página. A poco que se haya seguido la trayectoria de Millar resulta evidente que se trata de un guionista rompedor e innovador, famoso por epatar en su público. Ni que decir tiene que aquí lo vuelve a hacer, con situaciones vibrantes y diálogos ingeniosos a la par que mordaces.

Quisiera resaltar que además el escritor coge los elementos típicos del Último Hijo de Krypton y les da una nueva vuelta de tuerca, estando todo el relato plagado de homenajes a personajes, situaciones y referencias a la mitología de Superman. Aquí nos podemos encontrar a Lois Lane (Luthor), a Lex Luthor, Brainiac, el Daily Planet, etc. Pero bajo una óptica nueva que nos lo presenta tan interesantes que parecen hasta nuevos, conservando el encanto de las versiones originales. Parece que me contradigo un poco, pero así de complejo es Mark Millar, oigan.

Ah, un detalle a resaltar es que no sólo aparecen redefinida la mitología de Superman, sino que tenemos presente elementos extraídos del Universo DC en general, como es el caso de una interesante Wonder Woman, un sorprendente Batman, los Green Lanterns, etc. Todo lo dicho en el párrafo anterior puede aplicarse a este.

Sobre el dibujo, pues como muy bien señalan en la introducción del tomo, hay que decir que recuerda poderosamente a los dibujos animados de Superman de los años 50. Aunque lo mismo soy yo, pero también he observado alguna reminiscencia de Mike Mignola, pero no me hagáis mucho caso.

Lo que está claro, al menos a mi parecer, es que funciona a las mil maravillas a la hora de crear un ambiente que hace que te metas dentro de la historia. La narración fluye que es un gusto y las páginas se pasan con avidez. Y me funciona muy bien, creando una atmosfera idónea.

Un detalle también que quisiera comentar sobre “Hijo Rojo” es su sorprendete final. O sus sorprendentes finales. Primero tiene uno que es SPOILER SPOILER una mezcla del del Caballero Oscuro de Frank Miller con el ¿Qué le sucedió al Hombre del Mañana? De Allan Moore FIN DE SPOILER SPOILER, y luego cuando todavía no te has recuperado, va Millar y te vuelve a desencajar la mandíbula con un nuevo final de esos inesperados…

En definitva, Superman: Hijo Rojo es uno de esos tomos que bien merecen estar en la tebeoteca de todo aficionado a los cómics, sea fan o no del Último Hijo de Krypton. Es un recopilatorio que brilla por méritos propios. Muy recomendado.

LLEGA EL INDESTRUCTIBLE HULK DE MARK WAID

A la buenas. ¿Qué, cómo lo lleváis? ¿Disfrutando del Salón del Cómic? Espero que sí. En las siguientes entradas voy a hablar de algunas novedades aparecidas en el mismo. Una de ellas ha ido el segundo número de Panini del Hulk de Mark Waid, así que estaría muy bien comentar el principio de esta jugosa etapa.

En los USA, comenzó en el Nº 1 de Indestructible Hulk, fechado en Enero de 2013. De momento en España han aparecido los tres primeros números USA, publicados por Panini en los números 10 y 11 de la serie de Hulk. Tened en cuenta dos cosas: Una que pese a que Marvel inició un nuevo volumen del personaje, aquí no se ha recomenzado la numeración. Pese a todo, si que pusieron en el número 10 de la serie un número 1 en la portada para hacer constar el inicio de la serie USA “Indestructible Hulk”. La segunda cosa que tenéis que tener en cuenta es que el Hulk 11 de Panini es doble y contiene dos números USA.

Ya he comentado que el guionista es Mark Waid, una de las rutilantes estrellas de Marvel Now. Lo que no he dicho es que el dibujante de estos tebeos es Leinil Francis Yu. Aunque no os encariñéis del todo con él, que próximamente el mismísimo Walter Simonson aterrizará en la serie.

La etapa arranca con un status poco explorado para Hulk y para Bruce Banner, tomando ambos la decisión de unirse a Shield. Mientras el uno investiga para ellos con el mejor equipo científico a su disposición, el gigante de piel verde se dedica a aplastar las amenazas que Shield crea convenientes. Suena distinto del típico enfoque del monstruo eternamente perseguido por el ejército, ¿eh? Aunque acepto que la época en la que Hulk formaba parte del Panteón parece tener ciertos puntos en común.

En todo caso, tras el irregular y quizás fallido paso de Jaso Aaron por el título, no cabe duda de que la llegada Mark Waid ha supuesto todo un soplo de aire fresco. En la actualidad este guionista ha supuesto toda una revolución en Daredevil, convirtiéndola en una de las mejores series del panorama comiquero actual. Pues bien, podéis creedme cuando proclamo que con Hulk está haciendo gala de la misma habilidad para engrandecer la colección.

Es un ejemplo perfecto tebeo que fusiona a las mil maravillas la modernez con el clasicismo. Leyendo el cómic uno tiene la sensación de leer uno de esos grandes tebeos con aventura, acción, profundización en los personajes y cierto toque de humor. Se nota que el guionista tiene un plan en mente, y en estos tres números USA apenas ha empezado a esbozarlo. Podemos ver como está creando un  nuevo entorno para Hulk, que puede dar mucho de sí.

De momento, la planteado el nuevo status quo, ha hecho más atractiva que nunca la relación entre Iron Man y Hulk (miento, eso es en la película de los Vengadores), está redefiniendo el plantel de secundarios de la serie, renovándolo por completo y está enfrentando al alter ego de Bruce Banner a villanos rescatados del pasado de Marvel. Y todo eso perfectamente escrito, con una escritura que engancha y te hace querer más cuando cierras el ejemplar.

En cuanto al dibujo, pues no engaño a nadie si digo que Yu es un dibujante un tanto irregular, que nos da una de cal y otra de arena. No obstante parece que en Indestructible Hulk tenemos de momento al Y bueno y alterna planchas de espectacularidad con otras en las que la narración no está nada mal. Para nada es excesivamente confuso como en otros trabajos suyos, lo que es de agradecer. De todas maneras, insisto en que es temporal. Ya está acechando Walter Simonson el futuro artístico de esta serie.

Eso sí, aquí la estrella es Waid y así como está triunfando en Daredevil, en  Hulk ha tenido un comienzo más que notable. No me cabe duda de que va a ser una gran étapa y ya desde su inicio apunta grandes maneras.

DCOMIC

A las buenas. Hoy voy a hacer algo diferente y voy a recomendar una librería de comics: DCOMIC.

 

DCOMIC (léase “De Cómic”) es una librería especializa situada en Valencia. Para saber donde exactamente, ahora os doy su dirección: C/ Doctor García Donato Nº 7. CP.46021 (Valencia). No tiene perdida pues se encuentra bastante cerca del campus de Tarongers y del Politécnico. Además, para más señas está situado justo enfrente de “Bodega el Viñedo” (Chicos y chicas, tenéis que comer en ese restaurante. Todo es exquisito).

Volviendo al tema del post, DCOMIC lleva en activo desde Julio del 2005, lo que le convierte ya en veterana del panorama comiquero valenciano. Desde luego, tiene una variedad de oferta que la convierte en más que interesante. Cómic americano, mangas, Warhammer, juegos de rol, cartas, juegos de mesa, figuras, etc. Vamos, que no es moco de pavo.

A modo de curiosidad, señalaré que durante los cuatro primeros años el 30% del público que acudía a la tienda lo hacía para comprar cómic americano, otro 30% era lector de manga, un 10% iba en busca de Warhammer, un 15% en pos de cartas, un 5% a por juegos de mesa y un 10%  restante a la caza y captura de merchan.

En la actualidad, el cómic americano copa un 50% de la facturación, el manga un 10%, un 20% los juegos de mesa, un 15%  las cartas y un 5% el merchan.

En verdad, la tienda se encuentra muy bien surtida tanto de material atrasado como, por supuesto, de novedades. Se reciben puntualmente y son puestas perfectamente a la vista del público. Por si fuese poco, el sistema de reservas funciona muy bien y el material es guardado profesionalmente para asegurar que ningún aficionado se quede sin sus cómics favoritos.

La atención al cliente es sublime. No dudes en preguntar al dueño de la tienda que estará gustoso de poder ayudarte a resolver tus dudas, amén de demostrar un excelente conocimiento de aquello que está vendiendo. En este apartado, DCOMIC se merece un sobresaliente.

Aquí os dejo la dirección de su página web, donde incluso se pueden realizar pedidos: http://dcomic.es/  Y apuntad también su teléfono, por si queréis realizar cualquier tipo de consulta: 96 369 65 88.

En conclusión, tened presente DCOMIC a la hora de realizar vuestras compras, ya que es un sitio que merece mucho la pena.  

SPIDER-MEN

A las buenas. Hoy vamos a hablar de ese clásico moderno e instantáneo que es Spider-Men. Serie limitada de cinco números publicados en los USA entre Agosto y Noviembre del 2012 y editada en España de mano de Panini entre Septiembre del 2012 y Enero del 2013. Como podéis ver se dieron prisa en publicarla en estos lares.

Brian Michael Bendis está a cargo del guión, como no podría ser de otra forma si está implicado el Ultimate Spider-Man. La excelente Sara Pichelli lustra con gran maestría la miniserie.

Cómo muchos os habréis imaginado, la historia versa acerca del encuentro de entre dos hombres araña. Peter Parker, el trepamuros favorito de todos y procedente de la Tierra Marvel 616, la de toda la vida, es uno de ellos. El otro es el novato Miles Morales, nativo del Universo Ultimate y sucesor del difunto Peter Parker en dicho mundo.

El encuentro guarda claras reminiscencias de la clásica historieta “El Flash de Dos Mundos”, en la que Barry Allen se encontraba con el primer Flash, Jay Garrick en la Tierra en la que habitaba este último. De hecho, perfectamente Spider-Men podría haberse subtitulado “El Spiderman de Dos Mundos”.

Por increíble que parezca en los más de diez años que lleva en danza el Universo Ultimate no se había producido ningún cruce con el Universo Marvel tradicional, por mucho que Mark Millar jugará con la idea en su etapa en los Ultimate Fantastic Four. Así que la ocasión en la que se produjese ese primer encuentro tenía que ser algo grande, apoteósico y memorable. ¿Cumple Spider-Men esos requisitos? Ya podéis vuestros lanzarredes a que sí.

El guión está muy bien escrito. Magistralmente me atrevería a decir. Hay espacio para todo: para la acción, para los sentimientos, para que ambos trepamuros se interrelacionen, para la caracterización, para el humor… Vamos, que aquí Bendis se ha puesto las pilas y ha cumplido más que sobradamente. Incluso me atrevería a decir que es uno de sus mejores trabajos.

De todos modos, conviene recordar que Bendis lleva desde el inicio de Ultimate Spiderman a cargo del guión, amén de haber escrito al trepamuros  formando parte de sus Vengadores.  Así que tiene cogido el pulso a Spiderman, por lo que sabe de lo que está hablando.

La serie limitada tiene muchos grandes momentos, quedando especialmente para el recuerdo la última página del tercer episodio. Al que leyéndola no se le haya formado un nudo en la garganta no es humano. ¿Y qué me decís de todo el cuarto episodio en sí? Los sentimientos a flor de piel, oigan.

Por supuesto, tratándose de Bendis y de Spidey siempre tiene que haber espacio para el humor, como queda patente el casi monologo acerca de su situación cuando se encuentra por primera vez Peter Parker con el Ultimate Nick Furia. O el comentario del cuarto episodio referido al alcoholismo de Tony Stark. ¡Hasta Bendis mete una puya referida al inminente Superior Spider-Man! Como queriendo decir que antes él tuvo una idea similar. Por supuesto, no os voy a decir en qué momento exacto de la mini, ya que sería un grandísimo Spoiler referido a la identidad del Superior Spidey. Pero estoy divagando… Una pequeña pista: NO es en la última página del quinto episodio.

Por poner unas pequeñas pegas al guión, no queda demasiado claro en qué momento cronológico en lo referido al Ultimate Spiderman queda enmarcada esta miniserie… Aunque diría que tras “Divididos, Caeremos” no es algo que salte a la vista. Lo mismo los siguientes episodios de Ultimate Spiderman nos dan la respuesta.

La otra pega es que no queda claro del todo tampoco que Misterio es el villano de Spider-Men… Si es el del Universo Ultimate que viaja también al Universo Marvel o vicevera. Si fuera el segundo caso no se corresponde para nada con el que hemos visto recientemente en las páginas de Amazing Spider-Man de Slott.

Pero esas quejas que no mermen vuestras ganas de leer estos cinco tebeos, puesto que os puedo asegurar que son comics que se graban a fuego en la retina y desde ya son clásicos intemporales. He dicho.

Sobre el dibujo, a la vista está que Picheli es toda  una profesional y que contemplar su arte es disfrutar. Ya demostró lo que valía con sus planchas para Ultimate Spider-Man y ahora ha dado el do de pecho con unos dibujos espectaculares, muy bien narrados tanto en las escenas de acción como en las cotidianas. Sara Picheli está destinada a grandes proyectos y espero que el tiempo así lo demuestre, puesto que se lo merece.

En conlusión, Spider-Men es un cómic imprescindible. De esos que tienes que tienes que tener si o si. Ya ando mordiéndome las uñas esperando una segunda parte. Porque la va a haber.

ONE TREE HILL: TEMPORADA 9. EL FINAL DE LA SERIE

A las buenas. Hoy ya tenía medio prevista la reseña de unos cómics (la serie limitada de Spider-Men) pero una circunstancia ha cambiado eso. Y es que he concluido el visionado de la novena y última temporada de la serie televisiva “One Tree Hill”.

Como no es una serie que sea muy mayoritaria y conocida por el gran público voy a poner brevemente en antecedentes. Al principio la serie iba acerca de la relación que tenían en el instituto dos hermanos de padre, con la particularidad de que uno (Lucas) era de un ambiente humilde siendo criado por su madre con la ayuda de su tio Keith (el hermano de su padre), mientras que el otro (Nathan) había sido criado por el matrimonio de su padre (Dan) y su madre. Dan Scott decidió quedarse con la madre de Nathan, como podéis comprobar. Las cosas se fueron complicando más y más cuando Dan asesinó en la tercera temporada a uno de los principales secundarios de la serie para más inri.

Si bien, como digo, en sus comienzos la serie iba antetodo de la relación entre Lucas y Nathan (amén de los múltiples conflictos que tenían los jóvenes con su padre) la serie incluía a un elenco muy bien nutrido de personajes secundarios como Brooke, Haley, Mouth, Skills, Peyton o Rachel cuyas tramas eran también de lo más interesante. Vaya si lo eran.

No me voy a extender mucho más en los antecedentes, ya que si así lo deseáis y me lo hacéis saber, tengo previsto hacer una reseña de la serie completa. Baste saber que en un momento dado la serie dio un salto temporal de 5 años, que Lucas acabó marchándose de la serie a finales de la sexta temporada y que recordéis lo que he mencionado más arriba de que Dan Scott asesinó en mediados de la tercera temporada a uno de los personajes más querido de One Tree Hill.

El caso es que afirmo rotundamente que por la fuerza de sus tramas, lo carismático y cercano de sus personajes, la serie One Tree Hill es muy especial para mí. La descubría hace ya diez lejanos años y la he seguido temporada a temporada. Desde el primer episodio quede cautivado y las cuatro primeras temporadas me parecen sublimes, de lo mejor que he visto en mi vida en televisión. Pocas veces he sentido tanta empatía con unos personajes de ficción. En especial me declaro fan de Haley, Brooke y Nathan. Y qué coño, de Dan Scott. No me canso de revisar esas primeras cuatro temporadas, que se me antojan puro culebrón, en el mejor sentido de la palabra.

Tras el mencionado salto temporal de cinco años, la cosa cambió. Los chicos habían dejado atrás la vida estudiantil y ya no era del todo lo mismo. No negare que la cosa tuvo su interés por ver que había sido de la vida de los protas cinco años después, pero bajo el nivel de calidad. Además, Dan tuvo un papel mucho más secundario. Por no mencionar que los nuevos secundarios que se fueron introduciendo no me parecían tan bien retratados e interesantes como los originales. Incluso la vida de los veteranos me parecía diferente.

La sexta temporada ídem de ídem. Interesante pero sin parecer de verdad One Tree Hill. En las temporadas 7 y 8, ya la cosa fue cuesta abajo. Como una montaña rusa sin frenos. La serie había perdido el rumbo completamente. Personajes a cascoporrillo muy poco interesantes (con la excepción de Quinn, la única nueva incorporación que llegó en la temporada 7 y que  si me pareció un acierto), los protagonistas parecían caricaturas de ellos mismos, tramas retorcidas y cada vez más absurdas y dignas de una telenovela, el papel de Dan Scott, el personaje más complejo y trabajado de la serie, reducido… En fin, el descalabre. La serie tenía previsto su final en la temporada 8 y no me parecía mal. Incluso el final de la temporada era cerrado. Mejor eso que ver como One Tree Hill seguía languideciendo, como en las temporadas 7 y 8.

Pero hete aquí que se obró el milagro. La serie finalmente continuó una temporada 9, aunque algo más corta. De los entre 22 y 24 episodios que acostumbraba a tener cada temporada, se rodaron únicamente 13 episodios para esta novena temporada. La vi casi por inercia y entonces sucedió lo inesperado: Volvió la calidad de las 4 primeras temporadas.

No me lo podía creer, pero estaba ocurriendo. Los personajes que se mantenían de los de toda la vida volvían a ser ellos mismos pero evolucionados. Encontraron de nuevo su voz. Incluso las nuevas incorporaciones de las últimas temporadas y que no me importaban ni un pepino pasaron a estar mejor construidas y secundarios como Julian o Chase estuvieron realmente vivos de verdad. Hubieron abandonos de la serie y se quedaron por el camino gente como Owen o Alex, pero nadie los iba a hacer de menos. Eran papeles que no aportaban realmente nada a One Tree Hill y sobraban, la verdad. Incluso tuvieron el gran acierto de recuperar (esta vez como secundario de lujo) a Chris Keller, un personaje recurrente de las temporadas 2 y 3 y que además hizo una aparición especial en la 4.

Es decir, la magia había vuelto a la serie. No podéis ni imaginar lo bien que me lo he pasado con el visionado de esta temporada 9. Es como volver a ver a esos amigos con los que has compartido muy buenos momentos, tras un tiempo en que no parecían ellos mismos.

Las tramas personales, de desarrollo de personajes y sentimentales se moderaron en la serie, en especial las amorosas, dejaron de parecer un absurdo y una caricatura, para regresar a la verosimilitud y realismo de las primeras temporadas. Me voy a contradecir un poco, el ser humano es así, pero a la vez se añadió a la mayor parte de esta última temporada unas gotas de thriller que le sentó fenomenal. Si bien la serie había tenido anteriormente algunos momentos de intriga de esta índole, en esta ocasión se interrelacionó mejor que bien el drama con el suspense, formando una gran sinergia.

Diablos, si hasta el episodio 10 tiene hasta escenas de acción, al más puro estilo Jungla de Cristal, con Dan Scott convertido en un “action hero”. Por cierto, ese fue otro de los grandes aciertos de la temporada, el recuperar a Dan como personaje recurrente. Tras ir reduciendo su papel a partir de la quinta temporada y eliminarlo de las tramas (exceptuando un par de apariciones especiales) en la temporada 8 fue un tremendo error. Por suerte, las aguas volvieron a su cauce y en la temporada final vuelve a ser uno de los pilares. Como no podría ser de otro modo.

La redención, el perdón, el fin de un ciclo… esas son palabras clave a lo largo de la temporada 9 de One Tree Hill. Que si, que hay algún momento moñas que otro, y algo endulcorado, pero eso es lo de menos. He vuelto a sentir lo mismo lo mismo que cuando comprendí en su momento, hace casi una década, que One Tree Hill había entrado en mi corazón. Me ha acompañado durante casi 10 años y he sentido como míos a los personajes y eso no lo puedo decir de todas las series. No me cabe duda de que pese a que haya finalizado (con un final perfecto, emotivo y lógico) volveré a visitar One Tree Hill una y otra vez. En especial las 4 primeras temporadas y esta novena. Gracias por esta década.

CHICA DE SERIE B

A las buenas. Hoy en lugar de hablar de comics americano, que es casi la norma en este blog, vamos a barrer para casa. Le ha llegado el turno a la reseña de “Chica de Serie B”, en concreto a su primer tomo que ha sido recién editado por Aleta en Marzo de 2013.

 

El autor de esta obra es Iván Sarnago. Hay que decir que con anterioridad había publicado la mayoría del material recogido en el libro que estamos comentando, pero en formato de webcomic. Tras un exitoso proceso de crowdfunding, ha llegado el turno de que sea editado en papel. Un detalle es que las primeras tiras son en glorioso blanco y negro, cambiado luego a ser a todo color.

¿De qué trata “Chica de Serie B”? Pues nos encontramos ante una especie de autobiografía. Dentro de un límite, claro. Este libro nos cuenta, en forma de tiras cómicas, la vida de su autor (el propio Sarnago). Eso sí, siempre teniendo en cuenta que es en clave de humor, por lo que no esperéis un realismo exacerbado, sino todo lo contrario. Por ejemplo, los propios personajes que aparecen en las tiras son conscientes de la existencia de la tira y de que ellos son protagonistas secundarios de ·”Chica de Serie B”.

El grueso de la obra contiene un humor más costumbrista, dentro de lo que cabe, pero hacia el final del tomo y coincidiendo con la tercera temporada cambia la tonalidad. Esto se debe a que “Chicas de Serie B pasa a ser una suerte de parodia de la televisiva “V”, la clásica serie de los lagartos.

He decir que el tomo me ha parecido bastante disfrutable y que conforme iba avanzando en la lectura, más me beneficiaba el efecto acumulativo. Con esto me refiero a que las tiras van ganando a medida que vas conociendo a los personajes y te encuentras familiarizado con ellos. En sentido me parece más que acertado el eslogan ·una sitcom en viñetas” pues verdaderamente esa es la sensación que da leer este libro, el de estar siendo testigo de una serie de televisión. Muy a mi pesar, ese efecto se diluye un tanto cuando empieza a parodiar a “V”.

Para gustos, colores. Y cada uno tiene el suyo. En mi caso, debo decir que he disfrutado mucho más de las dos primeras temporadas que de la tercera, puesto que considero que la trama cambia bastante radicalmente y no he encajado bien ese cambio de rumbo. Tampoco ayuda el que no sea un seguidor de la susodicha “V”; creo que de haber sido servidor un fan de la misma le habría encontrado más gracia, no me cabe duda.

Pero que esto no es desanime para nada, ya que la lectura de “Chica de Serie B” merece la pena. Seguro que os lo pasáis pipa y el bueno de Iván consigue sacaros más de una sonrisa con su obra.

Sobre el dibujo, pues debo decir que se aprecia una evolución notoria. El propio autor ironiza en las tiras acerca de su estilo un tanto simple, pero a mí me parece correctísimo y que encaja como un guante en esta sitcom amparística. Vamos, que sí, que mola.

En definitiva, si quieres probar con algo diferente y tienes ganas de reírte un rato, recomiendo la lectura de “Chica de Serie B”. A mí ha conseguido convencerme y anda esperando la salida del segundo tomo, señoras.